Paul Stanley från KISS On Optimism, 'Black Series'-målningar, Wentworth Gallery-framträdanden

Sedan 1973, KISS-sångare och gitarrist Paul Stanley har skapat en nisch som en av rockens mest engagerande frontfigurer.

Med en hand i bandets skivomslag, kostymer, låtskrivande, iscensättning och mer, har Rock and Roll Hall of Famers kreativitet bidragit till att definiera ett av de starkaste, mest framgångsrika varumärkena i rock and roll-historien.

Utanför musiken använder Stanley sin passion och kreativitet för både matlagning och konst. Medan han var relativt ny i konstvärlden, då han började måla för två decennier sedan, kallades han ändå ett "konstfenom" av Wentworth Gallery Rektor Christian O'Mahony för hans förmåga att sälja slut galleriutställningar av hans arbete.

Med nio detaljhandelsgallerier är Wentworth en av landets bästa säljare av konst, med ett antal exklusiva partnerskap med konstnärer och musiker.

Efter ett par evenemang i Florida tidigare denna månad, kommer Stanley att vara närvarande i helgen kl Wentworth utställningar i Bethesda, Maryland (fredag ​​24 februari på Montgomery Mall) och McLean, Virginia (lördag 25 februari på Tysons Galleria), och visar hans verk i "Black Series", unikt livfulla målningar som sätts upp på svart duk istället för den mer traditionella vit.

”För det mesta brukar vi måla på vit duk – på grund av tanken att ljus kommer bakom färgen. Men jag hittade en svart duk och jag blev fascinerad av tanken på vad jag skulle kunna göra med den, förklarade Stanley om ursprunget till hans "Black Series". "Jag fann att färgerna var väldigt kraftfulla. De verkade komma från ingenstans – för de hade inget ljus bakom sig. Så de tenderar att stå upp faktiskt mer i förgrunden eftersom de går tillbaka i bakgrunden. Så det var en rolig upptäckt för mig, sa han.

"Verkligen, det är vad konst har handlat om för mig sedan början är bara upptäckt. Jag skulle säga att jag egentligen inte har någon annan stil än den som förbinder alla mina plagg – vilket är livfulla färger. För för mig är färg representationen, åtminstone i mitt fall, av livet, säger Stanley. "Jag har sett vissa konstnärer som, när de psykologiskt eller mentalt försämrades, deras konst gick från levande till i princip nästan svartvitt – mycket dystrare. Jag ser mitt liv, på dess värsta dag, som ett mirakel. Jag tycker livet är fantastiskt. Och jag representerar det med färg."

Jag pratade med Stanley om optimism, "Black Series", helgens Wentworth Gallery framträdanden, en utställning av hans verk som kommer att äga rum i sommar på det prestigefyllda Butler Institute of American Art och idén om att utveckla ett autentiskt varumärke. En utskrift av vårt videosamtal, lätt redigerad för längd och tydlighet, följer nedan.

När kom du till att måla som ett annat kreativt utlopp? Var det i yngre ålder eller som vuxen?

PAUL STANLEY: För ungefär 20 år sedan. Så det var yngre än idag! Men den var inte ung. (Skrattar)

Det kom under en tuff tid. En vän till mig, min bästa vän, sa: "Du borde måla." Det överraskade mig. Men det gav eko också. Och jag gick ut och köpte färger – köpte staffli och dukar och penslar. Mer eller mindre ström av medvetande med färg. Och dessutom bara rejält rensande – känslomässigt rensande – utan mycket tanke på struktur eller vad jag höll på med. Det var bara givande – och mer produktivt än att skrika i duschen. Så det var verkligen väldigt glädjande. Och det startade mig på den här resan.

Och för att se nu... Visst, det finns förstås människor som älskar KISS och är bekanta med KISS som kanske skaffar sig en del av konsten. Men det finns massor av människor som kunde bry sig mindre om KISS som förvärvar konsten. Och det är skönt att överträffa det förväntade.

Djärva färger verkar definiera ditt arbete på ett sätt. Och du ser mig som en ganska positiv person. Är optimism något du hoppas att ditt konstverk fångar?

Stanley: Det gör jag. Du vet, jag känner verkligen att när vi ser på livet och vi ser oss själva och vi ser på världen positivt, så gör vi världen till en bättre plats. För när vi är mer accepterande av andra människor och andra situationer, blir världen en trevligare plats när vi ser den och vi blir trevligare människor.

Det här sista stycket jag gjorde, som kallas "Quality Time Remaining", handlar verkligen om döden. Det kom från att jag ständigt tittade på, åtminstone nyligen, att så många ikoner i allmänhetens ögon dör. Det förstärkte bara tanken på att kvalitetstid återstår för mig. Vi har en begränsad tid här. Se till att du lever det till fullo. Det står också på målningen, "lev utan ursäkter, dö utan ånger." Vi kommer alla att dö – det är vad vi gör medan vi är här.

Så, att inte gå filosofisk eller gå Yoda på dig... Men det är möjligt att ha ett positivt budskap i allt vi väljer att säga. Och det jag väljer att säga i min konst är att det hela är positivt.

Även om det finns självporträtt, finns det också mer abstrakta målningar i ditt arbete. Vad är din inställning till de mer abstrakta bitarna?

Stanley: Det är ungefär som att gå in i ett mörkt rum och tända ett ljus. Det handlar verkligen om att upptäcka vad som finns i rummet – vad du kan se, vad du kan ta med dig. Så många bitar som jag gör går jag in i blint. Jag vill inte begränsas av stil. Jag vill inte ha en stil. Det jag vill göra är att arbeta för att fullända att uttrycka mig själv och inte hålla mig till en blick.

Jag är långt ifrån Picasso. Men Picasso sa: "Om jag måste beskriva mig själv som en målare, skulle jag säga att jag är en målare utan stil." Jag tycker det är jättebra! Jag är varken intresserad av att veta komplementfärger eller vilka färger som fungerar med andra färger. Medfödd, jag vill välja mina färger.

Jag tittar på din "Guitar Dreams"-målning. Visst, jag är bekant med ditt förhållande till Ibanez. Men vad är det du försöker fånga när du målar det instrumentet? Vad betyder gitarren för dig efter alla dessa år?

Stanley: Vid det här laget är det så ikoniskt och det är så kopplat till mig.

Jag tror, ​​precis som många andra saker, tiden säger allt – i relationer, i konst, i musik – och att gitarren verkligen började som en tom sida.

Med andra ord, [Gibson] Les Pauls, till exempel, har en mycket bördig historia – bortom Les Paul. När du tänker på ikoner som Jeff Beck och Jimmy Page och Eric Clapton och Peter Green, tänker du på en Les Paul [gitarr]. När jag designade och började använda PS10, Ibanez-gitarren, hade den ingen historia. Det var något som hänt under de senaste 45 åren eller så.

Så det är ikoniskt. Och jag ville fira det.

"Detroit Rock City"-målningen är uppenbarligen ett självporträtt. Hur närmar man sig ett sådant stycke?

Stanley: Jag är inte stor på vad jag kallar KISS-centrerade stycken. Jag vill inte vara killen som målar mitt band. Det är för snävt. Som sagt... Jag har gjort några stycken som jag gillade. Och det jag ville fånga är andan. Jag ville fånga hur jag känner. Det är viktigast. Om jag kan fånga min känsla, kommer den att fånga någon annans. Jag tror att om du är sann mot dig själv kommer du att hitta människor som relaterar till det du gör. För vi är inte särskilt olika. Jag tror att mina verk i allmänhet ansluter till människor.

Men med några av dem måste jag verkligen försäkra [folk] att du inte behöver en utbildning inom konst eller musik eller något annat område för att ha en giltig åsikt. Din åsikt är giltig eftersom den är din. Konst är verkligen subjektivt. Det som påverkar dig känslomässigt kanske inte har någon effekt på någon annan. Så jag försöker bara måla vad jag känner.

Och det finns säkert människor som inte har exponerats för konst, eller teater för den delen. Och jag vill att de människorna ska känna sig bekväma med att njuta av något och känna sig trygga i sin njutning. Så för mig handlar en del av det om att riva ner de gränserna.

Jag kände likadant när jag gjorde det Phantom of the Opera. Vissa människor skrämdes av idén om teater – men teater började på gatorna. Så, för att förvandla det till en vit handskeaffär, missar folk en av de största upplevelserna. Live teater är mycket mer effektfullt än filmer.

Så, det har alltid varit en del av mitt korståg så att säga – bara för att slå ner dessa barriärer.

KISS har utvecklat ett nästan ojämförligt starkt varumärke. Men för dig, oavsett om du arbetar med skivomslaget, kostymerna, ansiktsmålningen, "Black Series" eller något annat som kommer att ha ditt namn på det, vad är nyckeln till att utveckla ett varumärke som ger resonans samtidigt som det förblir autentiskt ?

Stanley: Jag tror att den primära tanken måste vara, "Vad skulle jag vilja ha? Vad skulle reta mig? Vad skulle jag älska att se på scenen?” Det är egentligen det som KISS föddes ur: idén att vara bandet som vi aldrig sett. Det var inte tanken, "Låt oss försöka ta reda på vad publiken vill ha." Det var: "Låt oss vara de vi hoppas få se." Så det har inte förändrats.

Allt som jag är involverad i blir verkligen, "Vilket behov tjänar det i mig?" Jag tenderar att, oavsett vad jag gör, försöka göra något som retar mig – oavsett om det är en scen eller ett skivomslag eller kläderna vi bär.

Jag vet att ditt arbete också kommer att visas upp på Butler Institute of American Art i Youngstown, Ohio även i sommar. Vad kan folk förvänta sig under den utställningen?

Stanley: För mig tar det andan ur mig. Detta är ett fantastiskt museum. Och den första som verkligen kämpade för amerikanska artister. Så det blir en grupp av några av mina favorit- och bästa stycken. Och det kommer att sträcka sig över olika medier: måla på duk, måla på plexiglas – olika saker som jag har gjort och kommer att fortsätta att göra. Jag vaknar ibland mitt i natten och funderar på hur jag ska skapa något imorgon.